Valentina Soto Illanes es la ganadora de la Beca AMA 2022
La artista Valentina Soto Illanes es la nueva becada de Fundación AMA para participar de la residencia en Gasworks --- Después recibir más de 70 postulaciones y de un largo proceso de evaluación, selección y entrevistas, estamos muy felices de anunciar a la ganadora de la versión 2022 de la Beca AMA, Valentina Soto Illanes, quien realizará una residencia para artistas con el apoyo de Juan Yarur Torres y Fundación AMA en Gasworks desde el 3 de octubre al 19 de diciembre de 2022. ⠀ Artista de la Universidad Católica, tiene estudios de postgrado en la Universidad de Chile yen la Universidad de Pensilvania. Ha sido ganadora de Becas Chile, diversos fondos del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, así como de la Beca Dedalus. De esta forma, gran parte de las exposiciones que ha realizado han sido presentadas en Estados Unidos y Latinoamérica, particularmente en Chile, Argentina y Colombia. El trabajo de Valentina explora distintas disciplinas académicas para reorganizar estructuras de saber y poder, representadas a través de la categorización y mercantilización de la naturaleza y el paisaje, dentro del proyecto colonial de América Latina. Durante su tiempo en Gasworks, Valentina continuará trabajando con materiales efímeros mientras investiga árboles y arbustos
Fundación AMA se hace parte de Artefacto Arte Joven
La Corporación Cultural de Vitacura, a través de su programa Vitajoven, inicia la convocatoria de su tradicional concurso de artes visuales “Artefacto”, dirigido a todos los artistas visuales jóvenes residentes en Chile. --- La invitación estará abierta a través del sitio web de la Corporación Cultural entre el lunes 28 de marzo y el domingo 8 de mayo, y podrán postular todos los talentos creativos, aficionados y profesionales, que tengan entre 18 y 35 años a diciembre de 2022. “Apoyar al arte joven es uno de los grandes compromisos de nuestra gestión. Más de 150 artistas de todo Chile se inscribieron en la convocatoria pasada de Artefacto, y nos alegra profundamente potenciar el talento y otorgar oportunidades, a través de este tipo de iniciativas”, señala la alcaldesa de Vitacura, Camila Merino. Al igual que en sus ediciones pasadas, la undécima versión de “Artefacto” mantiene su línea de temática y técnica libre, abriendo sus puertas a variadas disciplinas como la fotografía, la pintura, el dibujo, la instalación, la escultura y el grabado. Quedan excluidas aquellas obras en formato digital que requieren de logística adicional para su reproducción. La evaluación de las obras estará a cargo de un jurado experto, conformado por la artista visual Voluspa Jarpa;
Cecilia Vicuña gana León de Oro a la Trayectoria
La artista chilena Cecilia Vicuña, así como la artista alemana Katharina Fritsch, son las ganadoras de los Leones de Oro a la Trayectoria de la 59° Exposición Internacional de Arte de la Bienal de Venecia, titulada The Milk of Dreams, y que se celebrará en los Giardini y Arsenale de esa ciudad italiana del 23 de abril al 27 de noviembre de 2022. La decisión fue aprobada por el Directorio de La Biennale presidido por Roberto Cicutto, por recomendación de la Curadora de la 59° Muestra Internacional de Arte, Cecilia Alemani. La ceremonia de entrega de premios e inauguración de la 59ª Exposición tendrá lugar este próximo 23 de abril, en Ca’ Giustinian, sede de La Biennale di Venezia. “Vicuña es artista y poeta, y ha dedicado años de invaluable esfuerzo a preservar la obra de muchos escritores latinoamericanos, traduciendo y editando antologías de poesía que de otro modo se hubieran perdido. Vicuña también es una activista que ha luchado durante mucho tiempo por los derechos de los pueblos indígenas en Chile y el resto de América Latina. En las artes visuales, su trabajo ha abarcado desde la pintura hasta el performance, pasando por montajes complejos”, declaró por escrito Cecilia Alemani. “Su lenguaje artístico se basa en una profunda fascinación por las
Francisco Copello en «This must be the place»
Parte II de la aclamada exposición, que se inauguró el 2 de febrero en Americas Society, tiene nuevas obras que exploran el cuerpo como tema y medio y ofrecen nuevas interpretaciones de la identidad. --- Americas Society presenta la segunda parte de This Must Be the Place: Latin American Artists in New York, 1965–1975, una exposición grupal que explora las obras de arte, las performances y las prácticas experimentales de esta generación de artistas que vivieron en Nueva York en los años 1960s y 1970s. Al diversificar la vida artística de la ciudad, estos artistas ayudaron a formar a Nueva York en el centro de arte global que es hoy. La exposición cuenta con obras de Francisco Copello, quien gracias a la colaboración de Fundación AMA, forma parte de la curatoría de la muestra. Las obras de arte presentadas en esta exposición son centrales para comprender el panorama social y político en las Américas y las tensiones y puentes entre el norte y el sur, explorando temas de migración, identidad, política, exilio y nostalgia. Para la parte Ⅱ, las nuevas obras en exhibición exploran el cuerpo como tema y medio y, al hacerlo, ofrecen una nueva comprensión de la identidad. Juntas, las obras
Livia Marín se presenta en Matucana 100
Matucana 100 inaugura la primera gran retrospectiva de Livia Marín --- En marzo, Matucana se prepara para recibir a la artista Livia Marin quien reúne, por primera vez, un inventario de su obra en un mismo espacio de exhibición: la Galería de Artes Visuales. Fundación AMA estará colaborando en esta muestra con la obra Ficciones de un uso, que forma parte de la Colección Juan Yarur desde el 2011. Bajo el nombre de "resistencia", la muestra transforma el trabajo de la artista en piezas distintas, nuevas, a causa del aire ajeno que cada una recibe de las otras, reformulando su identidad. En términos simples significa que vamos a ver lo mismo por primera vez. ¡Los invitamos a Matucana 100 desde el 23 de marzo de manera gratuita! SOBRE LA ARTISTA: Livia Marin es una artista chilena radicada en Londres que constantemente desafía y amplía su repertorio técnico mientras investiga la cultura material y el rol que en ella juegan los objetos cotidianos. Su trabajo da cuenta de un interés por el oficio, por el desarrollo de delicadas técnicas de construcción manual, casi meditativas, que entrelazan prácticas tradicionales (cerámica, restauración, doradura, bordado) con medios de producción mecánicos (imagen digital, CNC, serigrafía). El resultado es un objeto intrigante
Cecilia Vicuña expone su retrospectiva en Bogotá
"Cecilia Vicuña. Veroír el fracaso iluminado" actualmente se expone en el Museo de Arte Miguel Urrutia (MAMU). Cecilia Vicuña. Veroír el fracaso iluminado es una retrospectiva con más de 100 obras entre pinturas, performances, dibujos, videos e instalaciones de una de las artistas latinoamericanas más reconocidas en el ámbito internacional. Además de las diferentes obras de Cecilia Vicuña la exposición incluye una vasta documentación, en parte proveniente de la Colección bibliográfica de la Luis Ángel Arango, que da cuenta de su trayectoria de manera atemporal. Vicuña es una artista visual y escritora que a partir de su trabajo refleja la relación entre el arte y la política. Su obra esta provista de un discurso contundente. Su trabajo ha sido catalogado como una forma pacífica de resistencia en la que se destacan sus Palabrarmas como juego de palabras que permiten visibilizar los vínculos entre la política, la poesía y el arte. Cecilia Vicuña recurre a la experimentación adoptando de su entorno el lenguaje, las imágenes, los objetos y hasta las relaciones de poder para construir una propuesta artística multidisciplinaria de una fina estética que contrasta con la fuerza de su mensaje y significado. Como lo expresa el curador de la exposición Miguel López: “Sus destellos inventivos
Enrique Ramírez expone en Le Fresnoy
Esta exposición interroga la forma en que los artistas abordan, exploran y se apropian de la cuestión esencial del viaje o travesía, metáfora de nuestra evolución humana. Muestra sistemas de representación que hacen referencia al estado del mundo o la forma en que los artistas nos ayudan a comprender los problemas que están en juego en un momento en el que el futuro mismo de la humanidad está abierto a la duda. El título de la exposición, Jusque—là, que estará abierta hasta el Hasta el 30 de abril, hace referencia a una obra del artista chileno Enrique Ramírez, quien fue invitado a una residencia de artista en la Colección Pinault en Lens. El tapiz, que Ramírez ayudó a concebir, presenta un diálogo entre sus obras y una selección de piezas de Pinault Collection, que representan a diez artistas: Lucas Arruda, Yael Bartana, Nina Canell, Latifa Echakhch, Vidya Gastaldon, Jean-Luc Moulène, Antoni Muntadas , Paulo Nazareth, Daniel Steegmann Mangrané and Danh Vo. Sin pretensiones de exhaustividad, este conjunto se une para ofrecer un punto de vista, una experiencia. Revela las preocupaciones de los artistas que cruzan fronteras para abordar cuestiones más universales a partir de sus memorias personales y de la historia, del
Patricia Dominguez en Gasworks
Gasworks Artist in Residence: Patricia Domínguez from Gasworks on Vimeo. Patricia Domínguez fue una de las becadas con la BecaAMA, quien en 2017 tuvo la oportunidad de trabajar y vivir en Gasworks durante unos meses. Ella trabaja a través del video, la instalación, el dibujo y la escritura. Su obra rastrea las relaciones de afecto, trabajo y obligación que están surgiendo a partir de la digitalización en curso de todos los aspectos de la vida y el ascenso del precariado como clase social. Ella posiciona su trabajo como una forma de investigación antropológica visual radical sobre las formas en que los seres vivos son vistos y categorizados, y cómo las imágenes y subjetividades dan forma a las experiencias en lugar de hechos objetivos. Su objetivo con cada proyecto es rastrear, modificar y volver a imaginar las genealogías detrás de estas relaciones y los procesos subjetivos subyacentes en juego en su construcción. La videoinstalación Eres un Princeso(2013), por ejemplo, investiga las relaciones entre los narcotraficantes colombianos, sus caballos trofeo y los niños trabajadores que los cuidan, revelando las raíces colonialistas de estas relaciones caballo-humano y revelando la violencia inherente a las acciones cotidianas. Durante su residencia en Gasworks, Patricia investigará las pantallas utilizadas en los vestíbulos de los bancos
Nuevo en la colección: Marcela Correa & Smiljan Radic
Niño Escondido en un Pez Marcela Correa | Smiljan Radic Recientemente se ha incorporado a la colección Juan Yarur la obra Niño escondido en un pez una colaboración entre la artista Marcela Correa y el arquitecto Smiljan Radic. La obra, que originalmente fue presentada en la Bienal de Venecia (2010), consiste en una piedra tomada de una cantera escogida por la pareja y que posteriormente fue trasladada a la exposición para ser manipulada. Tanto Radic como Correa, mantiene la naturaleza de la piedra no obstante la extraen de su ambiente natural y la ubican en un espacio completamente artificial. Ahí realizan cortes y perforaciones lineales y simétricos, y unas incrustaciones de madera que logran generar en el mismo objeto una tensión entre opuestos que conviven y se acercan sin fundirse entre ellos. Parte de una propuesta que la pareja viene trabajando hace años y que se hace presente en otras obras como el Restaurant Mestizo o en la Bodega de la Viña Vik, sólo por nombrar algunas. https://youtu.be/HElpDeRhNs8
Claudia Gutiérrez presenta «No hay paraíso sin serpientes»
Labor presenta No hay paraíso sin serpientes, la primera exposición individual en la Ciudad de México de Claudia Gutiérrez Marfull (Santiago, 1987), una de las más recientes incorporaciones de la Colección Juan Yarur.. La muestra viene a completar un proyecto doble, cuya primera parte –No hay cielo sin nubes– acaba de ser presentada por la galería AFA, y con la que fue elegida mejor artista emergente en el marco de la última edición de Gallery Weekend Santiago. El uso del refranero para titular sus exposiciones ya indica la voluntad de la artista de huir del arte como institución y de reivindicar lo relegado, lo desdeñado, lo tenido por secundario o lo desechado y, al mismo tiempo, la sencillez de lo popular, la manualidad que huye del dictado tecno-industrial, la alegría y la belleza. “No hay cielo sin nubes, ni paraíso sin serpientes” hace referencia a la inexistencia de la felicidad completa, a que todo conlleva tanto alegría como tristeza. Esta exposición se constituye a partir de la representación, por medio de la técnica del bordado y del textil, del paisaje de las periferias, zonas desatendidas por los poderes y que los medios de comunicación solo visibilizan para marcarlas con el estigma de la marginalidad y la violencia,